Frankie hi-nrg e Giusy Ferreri allo Spot Music Fest: tra trappole dell’IA, crisi del mercato e il valore dell’anima nella musica
Maria Grazia Piscitelli 
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Il dibattito sull’impatto dell’intelligenza artificiale e sulle trasformazioni dell’industria musicale contemporanea ha trovato un momento di confronto unico allo Spot Music Fest a Bareggio. Durante una puntata speciale del format Spot Music Talks, condotta da Michele Monina e Massimiliano Longo, due personalità di spicco e dalla forte identità artistica come Frankie hi-nrg e Giusy Ferreri si sono incrociate per analizzare lo stato dell’arte della discografia italiana, il fenomeno spiazzante della clonazione vocale, i limiti intrinseci della tecnologia generativa e la necessità irrinunciabile di preservare la verità espressiva nella canzone.
L’illusione dell’innovazione: perché l’algoritmo copia ma non inventa
I limiti della tecnologia generativa e il riassemblaggio dei dati
Uno dei temi centrali emersi durante l’incontro riguarda la reale natura dell’intelligenza artificiale applicata alla composizione e all’interpretazione musicale. La riflessione offerta da Frankie hi-nrg mette a nudo un limite strutturale insuperabile delle tecnologie attuali: le piattaforme generative non creano ex novo, ma si limitano a scomporre, analizzare e riassemblare enormi moli di dati preesistenti.
Il paradosso di Battisti e la scintilla irripetibile dell’umano
L’artista torinese ha sottolineato questa dinamica con un esempio emblematico: se si nutre un algoritmo con l’intero repertorio di un gigante della canzone d’autore come Lucio Battisti, il sistema sarà in grado di elaborare ed erogare infinite declinazioni stilistiche o variazioni che scimmiottano quel linguaggio, ma non potrà mai generare una nuova canzone di Battisti.
La vera innovazione artistica nasce infatti da un’interruzione di continuità, da una frattura imprevedibile, da un vissuto personale e da un’urgenza emotiva che appartengono in modo esclusivo alla condizione umana.
La macchina riproduce la forma, ma rimane incapace di generare la sostanza primordiale del gesto creativo.
L’omologazione del mercato e la ricerca esasperata della leggerezza
Dalla citazione d’autore al riciclo superficiale dei modelli del passato
Questa tendenza alla replica e al riciclo, tuttavia, non è una prerogativa esclusiva dei software, ma rappresenta una patologia che sta già contagiando la produzione discografica mainstream.
Giusy Ferreri ha evidenziato come negli ultimi anni si assista a un’evidente omologazione dei linguaggi e delle sonorità commerciali.
Molti brani di successo tendono a scopiazzare in modo superficiale formule, ritmiche e riff del passato, rinunciando alla citazione colta o alla sperimentazione di nuove strade.
La dittatura del tormentone e l’impoverimento della scrittura
La cantante ha rilevato come la costante rincorsa della leggerezza e del tormentone disimpegnato — una tendenza accentuatasi notevolmente nel periodo post-pandemico — abbia finito per impoverire l’offerta musicale.
La ricerca di un intrattenimento immediato e privo di attrito ha spesso sacrificato la profondità della scrittura e la varietà degli arrangiamenti, portando il mercato a saturarsi di prodotti usa e getta, costruiti per catturare l’attenzione in manciate di secondi ma destinati a svanire senza lasciare alcuna traccia nell’immaginario collettivo.
La difesa dell’identità vocale: la mossa pionieristica di Giusy Ferreri
Registrazione dei dati biometrici e tutele legali contro il deepfake
Se l’IA rappresenta un rischio per la creatività, l’impatto sulla voce umana pone questioni ancora più urgenti in materia di tutela legale e diritti biometrici.
In questo contesto, la testimonianza di Giusy Ferreri acquista un valore fortemente emblematico: la cantautrice è stata infatti tra i primi artisti in Europa a depositare e registrare ufficialmente la propria voce e la propria immagine per difendersi dai rischi della clonazione vocale, dei deepfake e dell’utilizzo incontrollato delle frequenze timbriche da parte di terzi.
La differenza insuperabile tra voce sintetizzata ed empatia dal vivo
Attraverso una procedura specifica che prevede la registrazione di una frase identificativa abbinata alla rilevazione dei dati biometrici, l’artista ha voluto tracciare un confine netto di legalità in un momento storico in cui il quadro normativo internazionale arranca rispetto all’incedere convulso delle tecnologie.
Nonostante la consapevolezza che gli strumenti giuridici intervengano quasi sempre a posteriori, quando l’eventuale abuso è già stato perpetrato, la scelta di tutelare il proprio timbro rivendica la centralità dell’interprete.
Un software può sintetizzare il graffio o la frequenza di una voce, ma non potrà mai replicare la dimensione viscerale, la spinta polmonare, le micro-imperfezioni e le intensioni dinamiche che derivano direttamente dalle esperienze e dai sentimenti di chi canta.
Per questo motivo, entrambi gli artisti hanno ribadito la necessità di educare il pubblico a un ascolto critico e consapevole, capace di distinguere un artefatto digitale bidimensionale da un’interpretazione dal vivo dotata di corpo, carne ed empatia.
La crisi della discografia e il tramonto della figura dell’A&R
Dallo scouting artigianale alle metriche aziendali a breve termine
L’analisi svolta sul palco di Bareggio ha dedicato ampio spazio anche alla mutazione genetica delle case discografiche negli ultimi vent’anni.
Frankie hi-nrg e Giusy Ferreri si sono trovati concordi nel rilevare come la figura storica dell’A&R (Artist and Repertoire) — il professionista che un tempo scovava i talenti grezzi, ne intuiva il potenziale e ne accompagnava la maturazione artistica attraverso un percorso a lungo termine — sia stata progressivamente marginalizzata o sostituita da fredde metriche aziendali.
Il rischio di bruciare i giovani talenti nell’era della viralità
Oggi la priorità delle etichette si è spostata sulla minimizzazione del rischio d’impresa.
Piuttosto che investire sulla crescita di un autore e accettare la possibilità del fallimento nei primi passi, si predilige cooptare fenomeni già virali sui social media o sulle piattaforme di streaming, tentando di incanalare numeri preesistenti entro schemi produttivi standardizzati e ripetitivi.
Questo modello industriale tende a premiare la rapidità di consumo a scapito della tenuta nel tempo, finendo per bruciare giovanissimi interpreti nell’arco di una singola stagione.
La forza della scrittura e la sfida del tempo
La lezione dei classici: il caso di “Quelli che ben pensano”
In aperta controtendenza rispetto alla frenesia degli algoritmi si pone la forza della grande scrittura, capace di resistere ai mutamenti di costume e di supporto tecnologico.
Frankie hi-nrg ha richiamato la genesi di un brano d’impatto come “Quelli che ben pensano”, nato dall’intuizione di campionamento di un piccolissimo frammento musicale di appena tre secondi su cui è stato innestato un testo dalla metrica rigorosa e dal contenuto sferzante.
La capacità di quel brano di superare i decenni, fino a fare il suo ingresso nei libri di testo scolastici, dimostra come la parola densa di significato non invecchi.
L’essenzialità dell’opera spogliata dalle sovrastrutture
A differenza dei prodotti confezionati su misura per soddisfare le playlist editoriali, un testo profondo mantiene intatta la propria forza anche quando viene spogliato delle impalcature di produzione.
Ne è una riprova il percorso del rapper con il progetto essenziale “Voce e batteria”, in cui la nuda intelaiatura ritmica e il peso della sillaba bastano a sorreggere l’intero spettacolo, confermando che l’impatto di un’opera risiede nella qualità del suo pensiero fondativo.
La rimozione della sofferenza e la funzione sociale dell’artista
L’auto-inganno sociale nel pop contemporaneo
L’ultima parte del confronto ha affrontato una deriva socioculturale particolarmente delicata: la tendenza sistematica della musica pop contemporanea a evitare il racconto del dolore, della complessità e della fragilità umana.
Frankie hi-nrg mc ha ricordato come la canzone d’autore e la cultura hip hop abbiano sempre avuto il compito di fungere da specchio critico della realtà, facendosi cassa di risonanza per i disagi individuali e le contraddizioni collettive.
Restituire verità e catarsi attraverso l’esperienza umana
Oggi, al contrario, si assiste spesso a una forma di auto-inganno sociale in cui i giovani autori sono spinti a edulcorare i propri testi per non urtare le sensibilità del pubblico o per non penalizzare l’appetibilità commerciale dei brani.
Tuttavia, la musica conserva la sua funzione catartica solo se accetta di esplorare le ombre e di dire la verità. Che si tratti dell’impeto di un pezzo rock o della lucida invettiva dell’hip hop, l’arte non può ridursi a un sottofondo innocuo per l’intrattenimento passivo, ma deve continuare a offrire strumenti di lettura del mondo.
La vera sfida per la musica di oggi rimane quella di padroneggiare le nuove tecnologie senza lasciarsi plasmare da esse, mettendo al centro del processo creativo la verità dell’esperienza umana.
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